Cuando en 2009 comencé mi trabajo de documentación, catalogación y digitalización en SONM, la Fonoteca de Música Experimental y Arte Sonoro del Puertas de Castilla, descubrí un gran número de compositoras experimentales que eran totalmente desconocidas para el gran público.

Las primeras que compartí fue Eliane Radigue y Delia Derbyshire en el fanzine Mujeres con pajarita (2011). Después llegó el turno de Ani Zinc (Diseño Corbusier), Pauline Oliveros, Laurie Spieguel…

Este texto siempre lo concebí como “timeline”, para que se apreciara claramente la existencia de mujeres con inquietudes musicales desde los orígenes, y no como una moda del momento.

He preparado tres podcasts con obras más representativas de cada una de ellas y un pequeño texto:


PIONERAS DE LA MÚSICA EXPERIMENTAL 1/3

Laurie Spiegel, Johanna M. Beyer, Daphne Oram, Else Marie Pade, Joanna Brouk, Eliane Radigue y Hildegard Von Bingen.


PIONERAS DE LA MÚSICA EXPERIMENTAL 2/3

Pauline Oliveros, Ellen Fullman, Beatriz Ferreyra, Annette Vande Gorne, Delia Derbyshire, Teresa Rampazzi, Maryanne Amacher, Ursula Bogner, Gudrun Gut y Laurie Anderson.


PIONERAS DE LA MÚSICA EXPERIMENTAL 3/3

Neo Zelanda, Amy Denio, Ruth White, Anne Gillis, Alice Shields, Loïse Bulot, Io Casino, Eli Gras, Christina Kubisch y Diamanda Galas.


Laurie Spiegel

20 de septiembre de 1945, Chicago. Compositora estadounidense, conocida por sus obras de música electrónica y su software de composición algorítmica ​Music Mouse.​

Pionera de la escena de la nueva música de Nueva York. Se retiró de esta escena a principios de la década de 1980, creyendo que su enfoque se había desplazado del proceso artístico al producto. Si bien continúa apoyándose a sí misma a través del desarrollo de software, Spiegel apunta a usar la tecnología en la música como un medio para promover su arte, en lugar de como un fin en sí mismo. En sus palabras: «automatizo todo lo que se puede automatizar para poder ser más libre, para centrarme en aquellos aspectos de la música que no se pueden automatizar. El desafío es averiguar cuál es cuál».

La interpretación de Spiegel de la obra «Harmonices mundi», de Johannes Kepler, fue elegida para la apertura en la sección «Sonidos de la Tierra» del disco de oro colocado a bordo de la nave espacial Voyager en 1977.

Su trabajo «Sedimento», fue incluido en la película de 2012 Los juegos del hambre.

https://www.facebook.com/lauriespiegel


Else Marie Pade

2 de diciembre de 1924, Aarhus, Dinamarca – 18 de enero de 2016.
Compositora de música electrónica. Participó activamente en el movimiento de resistencia durante la segunda guerra mundial.

Durante su infancia frecuentemente enfermaba por lo que a menudo debía reposar en cama, de esta forma escuchó los sonidos del mundo exterior y creó «imágenes auditivas» más allá de los sonidos. Estos sonidos, sonidos reales, se convirtieron en la base para sus trabajos musicales específicos.

Durante la Segunda Guerra Mundial ayudó a distribuir periódicos ilegales, aprendió a utilizar armas y armar explosivos como método de resistencia al nazismo. Fue prisionera después de ser arrestada por la Gestapo.

Terminada la guerra se convirtió en la primera compositora de música electrónica danesa en 195. Se convirtió en una compositora de música electrónica por necesidad, ya que tras su presidio no pudo volver a tocar el piano. Su trabajo incluye composiciones que se hicieron a partir de grabaciones registradas en un parque de atracciones, una obra inspirada en el planetario, así como música para un ballet, entre otras muchas cosas. Su larga carrera fue documentada en una reedición de 2015 llamada Electronic Works 1958-1995. Había declarado poco tiempo antes de su muerte que aún tenía intenciones de componer más música a los 89 años, mientras vivía en una residencia.


Daphne Oram

Reino Unido, 31 de diciembre de 1925 – 5 de enero de 2003. Compositora de música electrónica y Creadora de la técnica “Oramics”.

Fue ingeniera de estudio de sonido en la BBC. En la década de los años 40 compuso la obra​ Still Point,​ considerada laprimera composición que mezclaba sonidos de orquesta acústica con manipulación electrónica en directo. Still Point fue rechazada por la BBC y no se escuchó hasta el 24 de junio de 2016, más de 70 años después, cuando la Orquesta Contemporánea de Londres la interpretó por primera vez.

Oram comenzó a experimentar con distintos sonidos sintéticos en esta época. Cuando llegaron las cintas en la década de los 50 no tardó en visualizar las posibilidades que este nuevo soporte ofrecía para crear con él nueva música y melodías, muchas de ellas partiendo no de instrumentos y notas, sino de sonidos cotidianos y otros materiales.

Montó su propio estudio en Kent y construyó la máquina «Oramic», un invento revolucionario que producía sonido electrónico puro y que trabajaba a la vez con imagen, con dibujos, formas y colores. La máquina era capaz de leer esos dibujos y convertirlos en sonido, con un delicado y detallado control de las variaciones de la imagen que se correspondía en una gran variedad y afinación de los sonidos y la música resultante.

http://daphneoram.org/


Johanna M. Beyer

Alemania, 11 de julio de 1888 – 9 de enero de 1944.

Compositora y pianista alemana nacionalizada estadounidense. Muchos de sus trabajos anticiparon el minimalismo de los años 60. Fue una excelente compositora para grupos de percusión, especialmente destaca su ​Suite para percusión​ de 1933. La ​Marcha para treinta instrumentos de percusión​ (1939) se incluye entre una de las más bellas orquestaciones para grupos de percusión. En ella incluye frecuentes cambios rítmicos y de tempo, ironizando así con su título.


Eliane Radigue

París, 24 de enero de 1932. Es una compositora francesa de música electrónica, cuyo trabajo, desde principios de la década de 1970, se ha creado casi exclusivamente con el sintetizador modular ARP 2500.

Estudió técnicas de música electroacústica en la RTF con Pierre Shaeffer y Pierre Henry, y más tarde se convirtió en asistente de Pierre Henry en el Studio Apsome. Fue residente en la Escuela de Artes de la Universidad de Nueva York, en la Universidad de Iowa y en el Instituto de Artes de California.

En 1975, Radigue se convirtió en discípula del budismo tibetano. Después de cuatro años de estudio, comenzó un ciclo a gran escala de obras basadas en la vida del maestro tibetano Milarepa del siglo XI. ​Lovely Music​ ha publicado tres grabaciones de este trabajo, «Songs of Milarepa», «Jetsun Mila» y «Mila’s Joumey Inspired By A Dream». La música de Radigue se ha interpretado en Europa y Estados Unidos. Actualmente vive en Francia, donde continúa componiendo música electrónica y estudiando las enseñanzas de los lamas tibetanos.

http://kalvos.org/radigue.html


Hildegard Von Bingen

hildegard von bingen

(1098-1179) nació en la región alemana de Renania-Palatinado, en el seno de una familia noble y acomodada. Fue abadesa, mística, profetisa, compositora y escritora. Fue denominada la Sibila del Rin y la profetisa teutónica. Vivió en el siglo XII, tiempo de cruzadas y trovadores, se comprometió con la reforma de la Iglesia y redactó abundantes escritos sobre temas teológicos, políticos, musicales y de medicina. Fue la menor de diez hermanos y por eso fue considerada como el diezmo para Dios, entregada como oblata a los ocho años al monasterio benedictino de Disibodenberg. De esta manera, fue dedicada por sus padres a la vida religiosa y entregada para su educación a la abadesa Jutta de Spanheim, quien la instruyó en el rezo del salterio, en la lectura del latín, en la lectura de la Sagrada Escritura y en el canto gregoriano. A la muerte de Jutta en 1236, Hildegarda, a pesar de su juventud, le sucedería en el cargo de abadesa.

La música ocupó un lugar distintivo en la vida, la obra y el pensamiento de Hildegarda de Bingen, escribió numerosos tratados y magníficas composiciones. Sin embargo, en un pasaje autobiográfico Hildegarda afirma que componía cantos y melodías religiosas sin haber recibido nunca una formación musical específica y que los interpretaba sin ningún tipo de conocimiento de la notación neumática y el canto, por lo que su legado musical es fruto de su formación autodidacta.

Testimonio de su actividad musical son setenta y ocho composiciones, agrupadas en Symphonia armonie celestium revelationum (Sinfonía de la armonía de las revelaciones celestes, 1140 – 1150): formada por 43 antífonas, 17 responsorios, 8 himnos, 1 Kyrie, 1 pieza libre y 7 secuencias para la misa. Además, compuso un auto sacramental musicalizado llamado Ordo Virtutum, 1150.

La música de Hildegarda fue innovadora para su tiempo. Mientras el canto gregoriano se desarrolla en una sola octava, las composiciones de Hildegarda abarcan dos. Las melodías las compone en función del texto, que contiene una teología y una espiritualidad profundas. Sin haber hecho estudios especializados, pintaba las miniaturas de sus libros, escribía himnos y poemas litúrgicos y los musicaba para el uso de las monjas de su comunidad.


Pauline Oliveros

1932-2016. Houston, Texas, Estados Unidos. Pauline Oliveros comenzó en la música desde muy joven, a los 16 años, decidió que quería centrarse en la composición. Estudió en la Escuela de Música Moores de la Universidad de Hudson, donde consiguió su licenciatura en composición. Oliveros es conocida por su amplio uso de la electrónica y las cintas, y fue uno de los miembros originales del San Francisco Tape Music Center. Pionera de la música electrónica en la costa oeste de Estados Unidos durante la década de 1960, su música ha sido increíblemente influyente para muchos músicos. Oliveros es quizás más conocida por acuñar el término «deep listening». Además, Oliveros también se asocia con la frase «sonic awareness», que es la capacidad de concentrarse conscientemente en los sonidos musicales en un entorno determinado. Este estado de conciencia requiere que el oyente esté alerta y concentrado en todo momento. La música que compone Oliveros tiene un fuerte centro tonal, que está rodeado de complejas masas sonoras. En la interpretación, Oliveros usó su acordeón y lo volvió a sintonizar en dos sistemas diferentes de entonación, de modo que la adición de componentes electrónicos alteraría el sonido del instrumento y exploraría efectivamente las características individuales de cualquier habitación. Además de composición, Oliveros también ha escrito libros y enseñado a compositores emergentes. En 2009, ganó el premio William Schuman y luego, en 2012, ganó el prestigioso premio John Cage de la Foundation for Contemporary Arts. Su rotundo éxito se refleja en la cantidad de artistas con los que ha trabajado, la cantidad de premios que ha ganado y la popularidad que ha ganado en todo el mundo. Su composición para voz y acordeón A Love Song fue compuesta en 1985 y fue parte de su álbum, The Well and the Gentle.

http://paulineoliveros.us/


Ellen Fullman

1957. Tennessee, Estados Unidos. Compositora, constructora de instrumentos e intérprete estadounidense. Nació en Memphis, Tennessee, y actualmente reside en el Área de la Bahía de San Francisco. Es conocida por su instrumento de cuerda larga de 21 metros (70 pies), afinado con una entonación justa y tocado con dedos cubiertos de resina.

Fullman estudió escultura en el Kansas City Art Institute antes de mudarse a Nueva York a principios de la década de 1980. En Kansas City creó y actuó con una falda que producía sonido de metal amplificado y escribió canciones artísticas que grabó en Nueva York para un pequeño sello de casetes. En 1981, comenzó a desarrollar el instrumento de cuerda larga en su estudio de Brooklyn, que consta de docenas de cuerdas metálicas tocadas con dedos recubiertos de resina y produciendo un coro de parciales con forma de órgano. Este instrumento ha sido comparado con la experiencia de estar parado dentro de un enorme piano de cola. Ha grabado extensamente con este inusual instrumento y ha colaborado con figuras destacadas como la compositora Pauline Oliveros, la coreógrafa Deborah Hay, el Kronos Quartet y Frances-Marie Uitti. En 1985, residió en Apollohuis en los Países Bajos, donde grabó The Long String Instrument (LP) para Apollo Records.


Beatriz Ferreyra

21 de junio de 1937, Córdoba, Argentina. Estudió piano con Celia Bronstein en Buenos Aires. Viajó a París para seguir con sus estudios de música con la prestigiosa Nadia Boulanger (profesora de Astor Piazzolla), además de estudiar con Edgardo Canton, Earle Brown y György Ligeti en Alemania.

En 1963 aceptó un puesto en el departamento de investigación de la Oficina de Radiodiffusion de la televisión Francesa (ORTF), trabajando con el Groupe de Recherches Musicales (GRM) dirigida por Pierre Schaeffer. Asistió con Henri Chiarucci’s y Guy Reibel a Rapport entre la hauteur et la fondamentale d’un son musical, publicado en 1966 en la Revue Internationale d’audiologie y de Pierre Schaeffer Solfage de l’Objet Sonore. Durante este tiempo también dio clases en el Conservatorio Nacional Superior de Música de París. Trabajó con Bernard Baschet y sus Structures Sonores en 1970, y se desempeñó en la música electrónica en la universidad de Dartmouth en 1976 y en 1998.Entre sus trabajos se destacan Mansiones Acuáticas (1967), Siesta Blanca(1972) y La rivières des oiseaux (1998), desarrollan climas únicos que evocan la riqueza de paisajes sonoros naturales.


Annette Vande Gorne

6 de enero de 1946, Bélgica. Compositora de música electroacústica. Inicialmente estudió música en los conservatorios de Mons y Bruselas, y en privado con Jean Absil. Después de descubrir la música acústica desarrollada por Pierre Schaeffer, se interesó por la música de Schaeffer, así como de François Bayle y Pierre Henry. Se trasladó a París para estudiar en el conservatorio con Schaeffer y Reibel. A su regreso a Bélgica, fundó la Association de Musiques et Recherches y el estudio Métamorphoses d’Orphée. También lanzó una serie de conciertos y un festival de acústica llamado L’Espace du son en Bruselas en 1984. Desde 1986 ha enseñado en Lieja, Bruselas, Mons (Visscher 2001).


Delia Derbyshire

5 de mayo de 1937, Coventry – 3 de julio de 2001, Northampton. Reino Unido. Compositora de música concreta, pionera en el ámbito de la música electrónica, escultora sonora, experimentó con diversos sonidos para el medio radiofónico, televisivo, teatro y cine. Sus trabajos más conocidos son: el tema musical realizado para la serie británica de ciencia ficción Doctor Who producida por la BBC de Londres en 1963; así como su trabajo con el BBC Radiophonic Workshop. Delia Derbyshire fue una mujer que contribuyó esencialmente a popularizar la música electrónica y la experimentación sonora tanto en Gran Bretaña como en el resto del mundo.

En 1958 nace de la mano de un grupo de productores y directores de la cadena BBC, entre los que se encuentran Daphne Oram y Desmond Briscoe, el Taller Radiofónico de la BBC. El Taller Radiofónico tenía como principal objetivo ser un lugar de experimentación sonora de bajo costo para los nuevos radioteatros y producciones televisivas de la BBC, las cuales contaban con nuevos estilos de escritura de los dramaturgos de “moda” (como Samuel Beckett) y necesitaban de una nueva y renovadora dimensión sonora que no podía ser producida satisfactoriamente por las originales orquestas utilizadas en los radioteatros convencionales de la emisora.

Bajo la influencia de la música concreta de Pierre Shaeffer y los experimentos sonoros de los músicos Luciano Berio y Karlheinz Stockhausen, así como también la inmensas posibilidades que proporcionaba la manipulación de las grabadoras de cintas de carrete abierto, nace el Taller Radiofónico de la BBC. Colectivos de compositores, dramaturgos y técnicos en sonido se unieron en la búsqueda de nuevos sonidos «para estimular la imaginación del oyente»,​ entre los técnicos de sonido se encontraban tres mujeres: Daphne Oram, Delia Derbyshire y Magdalena Fagandini.

Delia Derbyshire se unió al Taller Radiofónico entre 1962 y 1963 para una comisión: “Tiempo en nuestras manos”,​ que sólo le permitiría estar un máximo de tres meses; sin embargo, Delia estuvo un período de once años trabajando en el Taller de la BBC.

En el Taller Radiofónico, Delia podía combinar sus intereses de la teoría y la percepción del sonido, los modos, las afinaciones y la comunicación de estados de ánimo mediante sonidos exclusivamente electrónicos. A pesar de ello, la mayor parte de la música y experimentos sonoros de Delia fueron rotundamente rechazados por la BBC, que los consideró lascivos y lujuriosos, adelantados a su época e incomprensibles para los oyentes y televidentes.

Delia Derbyshire permaneció en el Taller Radiofónico de la BBC hasta 1973; la mayoría de sus obras realizadas para la BBC quedaron en el anonimato y los derechos de autor fueron retenidos por la emisora.

http://www.delia-derbyshire.org/


Teresa Rampazzi

31 de octubre de 1914 – 16 de diciembre de 2001. Vicenza, Italia. Pianista y compositora italiana pionera de música electrónica y música generada por computadora.

Estudió piano desde niña con un profesor particular, continuando sus estudios en el Conservatorio Giuseppe Verdi en Milán donde obtuvo el diploma en composición. Vivió en Verona, Italia y en 1956 se mudó con su marido a Padua donde formó parte del Trío Bartók (Elio Peruzzi: clarinete, Edda Pitton: violín, Teresa Rampazzi: piano) y decidió promover la música de vanguardia de Anton Webern y Alban Berg. Entre 1956 y 1960 también formó parte del ensamble de música Circolo Pozzetto.

Rampazzi desarrolló un interés en avante-garde. En los cursos internacionales de verano de música contemporánea Internationale Ferienkurse für Neue Musik fue donde escuchó por primera vez los experimentos electrónicos realizados por Herbert Eimert.

En 1959 conoce a John Cage y decide dejar atrás la música tonal y la forma de música tradicional. Por esa época vende su piano en circunstancias curiosas. Una leyenda dice que ella lo destruyó durante una actuación con John Cage.

En 1965 funda junto al artista y diseñador Ennio Chiggio el Grupo N.P.S (Nuevas Propuestas Sonoras) en el cual trabajó con equipo análogo; el cual se convirtió en uno de los principales estudios de investigación privada de música, junto al S2FM de Pietro Grossi y al Studio di Musica Elettronica di Torino SMET. El N.P.S estaba operando en la estela de la famoso Gruppo N, al cual pertenecía Ennio Chiggio, fundado por Alberto Biasi y Manfredo Massironi donde se consideraba el arte como un producto colectivo y anónimo.

«Un grupo de diseñadores experimentales unidos por la necesidad de buscar colectivamente». Los artistas del grupo reconocen los nuevos materiales en la máquina y los medios de expresión de la «nueva técnica» en la que no puede haber separación entre la arquitectura, la pintura, la escultura y el producto industrial. El Gruppo N se centra en la investigación visual y cinética, que se relaciona con la psicología de la percepción, el objetivo de la creación de objetos y ambientes que involucran al espectador. Su primera pieza de música por ordenador With the light pen 1976 obtuvo una mención especial en el Concurso Internacional de Música Electroacústica en Bourges (Francia).


Maryanne Amacher

Es conocida por trabajar ampliamente con una familia de fenómenos psicoacústicos llamados productos de distorsión auditiva, en los que los oídos producen sonido audible.

Creció tocando el piano y dejó Kane para asistir becada a la Universidad de Pennsylvania donde recibió un B.F.A en 1964. Mientras estuvo allí estudió composición con George Rochberg y Karlheinz Stockhausen. También estudió composición en Salzburgo, Austria, y Dartington, Inglaterra. Posteriormente, se graduó en acústica e informática en la Universidad de Illinois en Urbana-Champaign.

Durante una residencia en la Universidad de Buffalo, en 1967, creó City Links: Buffalo, una pieza de 28 horas usando 5 micrófonos en diferentes partes de la ciudad, transmitida en vivo por la estación de radio WBFO. Hubo otras 21 piezas en la serie City Links, y se puede encontrar más información en el folleto para una exposición sobre la serie de Ludlow 38 en Nueva York (disponible en su sitio web). Una característica común fue el uso de líneas telefónicas de calidad de radio FM (rango 0-15.000 Hz) para conectar los ambientes sonoros de diferentes sitios en el mismo espacio, un ejemplo muy temprano de lo que ahora se llama «rendimiento telemático». Este trabajo precedió a ejemplos mucho más conocidos de Max Neuhaus y otros, estando Neuhaus involucrado en la obra original de 1967 en Buffalo.

Sus piezas principales han sido casi exclusivamente in situ, a menudo utilizando muchos altavoces para crear lo que ella llama «sonido estructural», diferenciándolo del «sonido aerotransportado», la paradoja intencional. Usando muchas fuentes de sonido difusas (ya sea que no estén en el espacio o que los altavoces estén orientados hacia las paredes o los pisos) ella crearía las ilusiones psicoacústicas de las formas de sonido o de la «presencia». La obra temprana de Amacher está mejor representada en tres series de instalaciones multimedia producidas en Estados Unidos, Europa y Japón: la serie de telepresencia sónica «City Links 1-22» (1967-); la escenificación arquitectónica «Music for Sound-Joined Rooms» (1980-); y la «Mini-Sound Series» (1985-), una nueva forma multimedia que creó y que es única en su uso de la arquitectura y la narrativa serializada.Amacher trabajó extensamente con un conjunto de fenómenos psicoacústicos conocidos como «productos de distorsión auditiva»; en pocas palabras: sonidos generados dentro del oído que son claramente audibles para el oyente. Estos tonos tienen una larga historia en la teoría musical y la investigación científica, y siguen siendo objeto de desacuerdo y debate. En la música, se les conoce más comúnmente con el nombre de «tonos combinados», «tonos diferentes» y, a veces, «tonos Tartini» (en honor al violinista Giuseppe Tartini, a quien se le atribuye el mérito de haberlos descubierto). La propia Amacher los denominó «tonos de oído» hasta 1992, cuando descubrió la obra de David T. Kemp y Thomas Gold y comenzó a referirse a ellos con la terminología psicoacústica de «emisiones otoacústicas». Desde entonces ha quedado claro que algunos de los sonidos que Amacher, y de hecho todos los músicos que han explotado este fenómeno, estaban generando, pueden atribuirse a una familia particular de emisiones otoacústicas conocida como «emisiones otoacústicas de productos de distorsión» (DPOAE). Ocurriendo en respuesta a dos tonos puros presentados simultáneamente al oído, estos tonos parecen localizarse dentro o alrededor de la cabeza, como si hubiera un «pequeño altavoz dentro del oído». Amacher fue la primera en explorar sistemáticamente el uso musical de estos fenómenos utilizando tecnologías de sonido electroacústicas. El subtítulo de su primer álbum Sound Characters (Making the Third Ear) de Tzadik Records es una referencia a ellos.


Ursula Bogner

1946-1994. Dortmund, Alemania. Farmacéutica, artista y músico alemana, asistió a cursos con Herbert Eimert, fundador del Studio für elektronische Musik en Colonia, en el WDR, se interesó por estos nuevos sonidos y grabó músicas de sintetizador en privado durante muchos años. Mucho después, Jan Jelinek conoció a su hijo por casualidad y se enteró del pasatiempo de su madre, y finalmente publicó una compilación de música de las cintas de carrete a carrete y casetes de alta fidelidad apenas marcados.


Gudrun Gut

20 de mayo de 1957. Alemania. Productora de música electrónica, DJ, presentadora y fundadora de Monika Enterprise. Creció en Lüneburger Heide y se mudó a Berlín Occidental en 1975, donde estudió artes visuales en la Hochschule der Künste de 1978 a 1984. Fue una de las primeras miembros de Einstürzende Neubauten y miembro fundadora de los grupos musicales Mania D, Malaria! y Matador. Es la directora de los sellos Monika Enterprise y Moabit Musik. Co-presentó el programa de radio semanal Oceanclub en Berlín con Thomas Fehlmann. Su álbum debut en solitario, I Put a Record On fue lanzado el 5 de febrero de 2007. Según el número de abril de 2008 de la revista The Wire, que incluía a Gudrun Gut en la portada, “ha sido la anfitriona de la nueva escena musical de Berlín durante 30 años”.


Laurie Anderson

5 de junio de 1947 en Glen Ellyn, Illinois, Estados Unidos. Cantante, violinista, poeta, dibujante y artista experimental. En sus performances combina música minimalista, proyecciones y reflexiones irónicas sobre el lenguaje, la política norteamericana, el rol de los sexos y la civilización occidental moderna.

Ha inventado varios instrumentos, entre ellos el violín de arco de cinta, el cual tiene un cabezal magnético en lugar de cuerdas y una cinta de audio en lugar de las cerdas del arco, y un traje con sensores que disparan diversos sonidos de batería electrónica.

El espectro creativo de Anderson es tan amplio —escultura, vídeo, ensayos, música, instalaciones, cine— que, a veces, la palabra artista parece quedarse corta para definir a una de las creadoras estadounidenses más revolucionarias de los últimos 40 años, pionera de la alianza entre arte y tecnología.

En 1981, llevó el minimalismo a las listas de éxitos del pop con O Superman; en 1986 dirigió Home of the Brave, una de las más innovadoras películas sobre conciertos. Ha reinterpretado pilares de la cultura de su país, como Moby Dick, y explorado su prepotencia política en el espectáculo Habeas Corpus, basado en uno de los prisioneros de Guantánamo tras el 11-S, encarcelado y torturado durante años hasta que fue declarado inocente. En sus colaboraciones aparecen John Cage, Nam June Paik, Don DeLillo, Kronos Quartet o Lou Reed, su pareja hasta la muerte de este, en 2013. Todo su trabajo posee una raíz común, contar historias más allá del formato que elija para representarlas. La artista, que usó una frase de William Burroughs como estribillo para una de sus canciones (Language Is A Virus), sigue valiéndose del lenguaje para resistir ante los efectos sociales de otro gran virus.


Neo Zelanda

España. Pionera de la música experimental española de los años 80, también conocida como ANI-ZINC (María José González). Participó en otros grupos como Diseño Corbusier. En febrero de 1982 editó la cassette «Radio Sabotage» que incluye tracks como «Aborto», «Radio Sabotage 1,2,3», versiones de temas estandars como «En carne viva», o «Ritmo tropical». Neo Zelanda Experimentaba haciendo grabaciones de voz, sonidos de radio y manipulación de cintas.


Amy Denio

Amy Denio es cantante, multiinstrumentista, compositora, improvisadora, ingeniera de grabación y fundadora de Spoot Music, su sello discográfico y editorial. Principalmente músico autodidacta, sus principales instrumentos son voz, acordeón, saxo alto, clarinete, guitarra eléctrica, bajo y sonido encontrado. Ha creado, grabado y producido casi 300 composiciones, lanzando decenas de grabaciones en solitario y en colaboración en Spoot, así como en sellos discográficos de América y Europa. Denio es una figura fundamental en la cultura ‘home-taper’ de la década de 1980, produce sus propias canciones y paisajes sonoros en su Spaciouser Spoot Studios. Recibe encargos para producir bandas sonoras para coreógrafos de danza moderna, compañías de teatro, cine y radio. Su pieza ‘Dishwasher’ fue incluida en la exhibición de John Cage en la Bienal de Venecia de 1993. En 1997 ganó el prestigioso premio «Bessie» de la ciudad de Nueva York por su banda sonora «Sky Down», encargada por David Dorfman Dance.


Ruth White

2 de septiembre de 1925 – 26 de agosto de 2013. Pensilvania, Estados Unidos Compositora conocida por sus creaciones de música electrónica y música experimental. Aunque una gran parte de su carrera estuvo dedicada a la realización de grabaciones educativas y materiales de enseñanza, es conocida por ser una de las pioneras de música electrónica, por sus experimentaciones con sonido desde muy temprana edad y por la utilización del sintetizador Moog como una de sus principales herramientas de composición.

Su trabajo «Short Circuits» (1971) es considerado como uno de los discos más influyentes en lo que se denomina «Nueva música».

Sus primeros trabajos “Seven Trumps From Tarot Card and Pinions” (1968), “Flowers of Evil” (1969), y “Short Circuits” (1971) muestran diversos usos del sintetizador Moog así como de diferentes instrumentos electrónicos. Fue maestra (UCLA Departamento de Música y la Escuela Primaria) y recibió numerosas distinciones por su música. Sus créditos también incluyen las grabaciones de música clásica y de música para comerciales de televisión, películas y multimedia.


Anne Gillis

El misterio que rodea a la compositora Anne Gillis desde mediados de los años ochenta, el hecho de que fueran contadas sus apariciones en directo y que su discografía esté prácticamente agotada desde hace una década la han convertido en una artista de culto. Hallamos referencias a ella asociándola al movimiento de la música industrial, así como colaboraciones con G. X. Jupitter-Larsen (The Haters). Pero lo cierto es que siguió produciendo grabaciones y llevando a cabo sus performances rituales (la más reciente, Psaoarhtelle, en Tokio, en 2016). Por otra parte, a partir de 2005 realizó instalaciones y exposiciones. En 2015 Art into Life emprendió la reedición de su discografía (Archives Box 1983-2005), remezclada por Colin Potter, y en 2018 publicó Fuel 217 junto a otro músico mítico, el trompetista Jac Berrocal.


Alice Shields

1943. Nueva York, Estados Unidos. Alice Shields cuenta historias ricas en culturas del mundo. Sus óperas y otras músicas para voz, instrumentos y medios se combinan formas occidentales y no occidentales de música clásica y teatro, como el Teatro Noh de Japón y la danza-drama Bharata Natyam de la India. El resultado es el intenso trabajo de Shields: sonido y canto altamente esculpidos con un movimiento apasionado y complejo y un drama poderoso. Shields tiene un doctorado en composición musical de la Universidad de Columbia, ha enseñado psicología de la música en la Universidad de Nueva York y ha sido Directora Asociada del Centro de Música Electrónica Columbia-Princeton y Directora de Desarrollo del Centro Musical de Computación de la Universidad de Columbia.


Loïse Bulot

Artista visual y compositora, Loïse Bulot desarrolla un universo onírico a través de las artes plásticas, la música, el espectáculo y la performance. Sus obras exploran mundos fantásticos, microscópicos y vivos. Compone piezas acústicas y colabora con diferentes intérpretes (Laura Caravello, pianista – Raphaële Kennedy, soprano – Ensemble KNM Berlin…). Sus dibujos, collages e instalaciones de luz forman microcosmos, arquitecturas vivientes pobladas por extrañas criaturas. Sus prácticas confluyen en performances o creaciones visuales y musicales, en ocasiones acompañadas de partituras gráficas.

Desde 2015 desarrolla espectáculos para todos los públicos con Nicolò Terrasi (músico, compositor) dentro de la Compagnie Risonanze. Pintura, animación, teatro de objetos, teatro de sombras, títeres, música instrumental y electrónica se dan cita en el plató…  Ganadores de los concursos Passerelle (Artes Visuales, Elstir) Luigi Russolo, Banc d’Essai (GRM), SIME y Petites Formes (composición electroacústica), las obras visuales y / o musicales de Loïse Bulot fueron encargadas y presentadas en Francia y en el exterior.


Io Casino

España. Creadora visual y sonora desde finales de los ochenta. Ha editado diversos discos oficiales y colaboraciones en recopilaciones y bandas sonoras de películas internacionales. En los últimos años ha actuado y mostrado su arte en Francia, Polonia, España, Alemania, Hungría, Suiza, Italia, Argentina, Córcega, Portugal, India y Estados Unidos.


Eli Gras

Barcelona, 1971. Artista multidisciplinar, Eli Gras ha publicado “Museum of the Dry Bugs” (Gagarin Records, 2019), Tasmanian Robinet (L.O.E. 2019), “Grass Velvet” (Esc. Rec. 2018), “Xylotheque” (L.O.E., 2017), “Baranda” (L.O.E., 2004), además de los CD’s “Duplicat” (con Pelayo Arrizabalaga), “POLO“ y “El Avión” (Motor Combo), entre otras colaboraciones en sellos como Classwar Karaoke, Ego Twister, Monster K7, Nereida Prod, Dude Tapes o Espais Netlabel, trabajando además ediciones de artista y de concepto. Su trayectoria en la música experimental, se inicia principios de los 80, recorriendo un ecléctico abanico de géneros que van desde el noise, electro-pop, música griega, minimalismo, folk, coral, electroacústica, aunque siempre centrando su actividad en la improvisación libre y el arte sonoro. Ha sido miembro de grupos de improvisación como Obmuz, Ome Acustics o Laptopless Orchestra y tocado con multitud de artistas (Pierre Bastien, Pelayo Arrizabalaga, Nuno Rebelo, David Fenech, Adele Madau, Alain Wergifosse, H.J. Roedelius, Tom Chant, Eduard Altaba, Quicu Samsó…), además de trabajar proyectos dada-pop con Motor Combo (junto a Florenci Salesas) y en solitario (UnPop). Ha colaborado con artistas visuales como Mar Morey o Sebastian Neistch. Es creadora de los espectáculos-instalación “Saló Sonor” y “Peeled Piano”, ambas performances con toques escenográficos e instrumentos inventados/alterados. En la actualidad basa principalmente su trabajo en la electroacústica, acusmática, luthierismo experimental así como la improvisación libre, ejerciendo además de tallerista y ponente. Ha realizado tareas en áreas como el dibujo animado, escritura, guión, efectos especiales, radio, fotografía, vídeo, diseño gráfico… además de en el sector editorial, producción de eventos, management y comunicación. Es fundadora y directora del Festival Internacional NoNoLogic (2007) y editora del sello La Olla Expréss (2002).


Christina Kubisch

1948. Bremen, Alemania. Nacida en Bremen (Alemania), vive y trabaja en Milán desde 1973. Después de estudiar en los conservatorios de Hamburgo, Graz (academia de Jazz) y Zurich se licenció en flauta y composición. Estudios posteriores de música electrónica en Milán, composición con Franco Donatoni. Tras numerosas actuaciones como flautista especializada en música contemporánea en 1975, renuncia a la carrera como intérprete instrumental, concentrando su trabajo en sus propias composiciones, performances multimedia y producciones de vídeo. Desde 1980 Christina Kubisch trabaja principalmente en el campo de las instalaciones sonoras y los conciertos ambientales. Sus instalaciones a menudo se presentan en lugares no convencionales como parques, fábricas abandonadas, astilleros, sótanos, monasterios, etc. Christina Kubisch pertenece a la primera generación de artistas sonoras. Formada como compositora, ha desarrollado artísticamente técnicas como la inducción magnética para realizar sus instalaciones. Desde 1986 ha incorporado la luz como elemento artístico a su trabajo con el sonido. El trabajo de Christina Kubisch muestra un desarrollo artístico que a menudo se describe como la «síntesis de las artes»: el descubrimiento del espacio acústico y la dimensión del tiempo en las artes visuales, por un lado, y una redefinición de las relaciones entre el material y la forma, por otro.


Diamanda Galas

San Diego, 29 de agosto de 1955. Vocalista, performance, compositora y pianista estadounidense de raíces griegas. Es conocida por su talento como pianista y su distintiva voz de ópera, de 5.4 octavas y un semitono de amplitud, descrita como «capaz de provocar los más terroríficos sonidos vocales» por ella misma. Galás usa frecuentemente un estilo de canto que incluye gemidos, gritos y glosas, que ya son parte de su idiosincrasia artística. Su trabajo se centra mayoritariamente en temas como el sufrimiento, la desesperación, la condenación, el ocultismo, la injusticia, y la pérdida de la dignidad. Ha trabajado con varios compositores vanguardistas, como Iannis Xenakis, Vinko Globokar y John Zorn, entre otros.


Annea Lockwood

annea-lockwoodCompositora estadounidense nacida en Nueva Zelanda en 1939. Enseñó música electrónica en Vassar College. Su trabajo a menudo implica grabaciones de sonidos naturales encontrados. También ha grabado piezas inspiradas en Fluxus que involucran pianos ardiendo o ahogándose. + INFO


Joanna Brouk

Joanna BroukElectronic composer Joanna Brouk takes very little credit for the trailblazing sound poetry she recorded in the 1970s and ’80s. It flowed through her she says, unbothered by the metaphysical connotations such a statement implies. She didn’t write it so much as transcribe it,  pulling melodies from single repeated notes and from the spaces between them.

“If you want to know where my music came from, it was silence,” Brouk says over the phone from her place in San Diego, synthesizer drones buzzing faintly in the background.

Her remarkable recordings can be heard on Numero Group’s Hearing Music, a double LP set assembled by producer Douglas Mcgowan (best known for Light in the Attic’s New Age compilation I Am the Centerwhich features Brouk’s “Lifting Off”). From her gong and synth meditation “The Creative” to her collaborations with flautist Maggi Payne, to the droning “Diving Deeper, Remembering Love,” Brouk’s music resonates with a deep, spiritual grace. Her experimentalism aligned with minimalists like Philip Glass and Steve Reich, but her explorative, cosmic leanings earned her self-released cassettes a passionate New Age audience.


Concha Jerez

Las Palmas de Gran Canaria, 1941. Es una artista multidisciplinar española. Cursó la carrera de piano en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid y la licenciatura en Ciencias Políticas en la Universidad Complutense de Madrid. Desde 1976 ha centrado su trabajo en el terreno de la performance y en el desarrollo del concepto de Instalación, como obra in situ, en espacios de gran envergadura, muchos de ellos combinan los recursos expresivos de diferentes media. La actividad compositiva de Concha Jerez se encuentra desde finales de la década de 1980 ligada a la radio y ha realizado obras de arte radiofónico para diversas emisoras europeas. Desde 1989 trabaja en numerosos proyectos con el compositor y artista multidisciplinar José Iges. En abril de 2011 el Consejo de Ministros de España le otorgó la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes. En 2015 recibió el Premio Nacional de Artes Plásticas.

http://conchajerez.net/


Fátima Miranda

Es una cantante española e investigadora nacida en Salamanca. Historiadora del Arte con especialización en arte moderno. Como cantante, sus composiciones tocan varios géneros como las canciones folclóricas de Mongolia o la música Dhrupad india. Ha investigado la voz humana y creado técnicas de voz exclusivas, clasificados por tonalidad y registro. Su interés en la vanguardia también cubre vídeo, música mínimal, stage arts y artist-public contact.

Con Llorenç Barber, formó el grupo Taller de Música Mandana en 1979. También fue la directora de la fonoteca de la Universidad Complutense de Madrid de 1982 a 1989. En 2009,se le otorgó el “Demetrio Stratos”, Premio Internacional para música experimental.

http://fatima-miranda.com/en/


Ana-Maria Avram

Rumanía, 12 de septiembre de 1961. Era una compositora afiliada al estilo de música espectral. Representa con Iancu Dumitrescu la tendencia de Hyper-Spectral en la música de vanguardia contemporánea, codirectora con Dumitrescu de Hyperion-Ensemble.

Su música es espectral, acústica, heterofónica y transformadora. Ha compuesto alrededor de 90 obras desde 2009: música para solistas, música de cámara, música para orquesta, música electrónica y música asistida por ordenador.


Marianne Schroeder

Swiss composer and pianist specializing in the interpretation of New Music. She has collaborated with John Cage, Karlheinz Stockhausen, Dieter Schnebel, Pauline Oliveros and Giacinto Scelsi, premiering a substantial amount of their works. She is currently a professor at Hochschule der Künste Bern, and has also taught at the International Summer Courses in Darmstadt.


THE LAPPETITIES

Are a laptop group of women from different background, nationalities and generations playing with digital and sonic linking.

Current active members of The Lappetites are: Kaffe Matthews (UK), Antye Greie aka AGF (Germany/ Finland), Eliane Radigue (France) and Ryoko Akama (Japan).


Méryll Ampe

15Como artista sonora y visual, desarrolla obras de arte a través de grabaciones de campo electrónicas. Establece vínculos entre su práctica musical y su práctica visual, utilizando técnicas directamente vinculadas a la escultura: cortar en masa, modelar y cincelar utilizando procesamiento de sonido digital y herramientas analógicas. Estos le permiten generar eco, tensiones, rupturas y puntuación, a través de los cuales compone tonos orquestados y espaciales. Investiga en los lugares donde compone, adaptando las pistas al espacio y la situación. Cuando se trata de su práctica escénica, Méryll concibe la improvisación como una secuencia ininterrumpida, que revela la composición inmersiva del espacio.
También trabaja para cine experimental y coreógrafos.


Nad Spiro

Explora AudioZonas no muy frecuentes en las periferias de la electrónica y estira el alcance sónico de su guitarra con un uso pervertido de este instrumento. Detrás del alias Nad Sprio se encuentra Rosa Arruti, artista y fetiche experimental cubriendo un extenso espectro musical: su nombre aparece en legendarios proyectos colaborativos arraigados en la Barcelona musical underground (bandas de avantRock como Mohochemie, Tendre Tembles, psicopatas del Norte…).